Rufina Santana: «Me gustaría llegar a pintar con energía, con luz»

La artista lanzaroteña convierte la naturaleza, el paisaje y el agua en metáforas para explorar el alma humana y continúa buscando, después de décadas de trayectoria, nuevas formas de pintar lo invisible.

Pintora y artista visual | Premio Más Mujer Arte y Cultura

Rufina Santana lleva décadas haciendo de Lanzarote mucho más que su lugar de residencia: la isla se ha convertido en territorio de investigación, inspiración y creación. Su pintura dialoga con la naturaleza, con el paisaje, con el agua, con la memoria y con esa búsqueda permanente de belleza y armonía que atraviesa toda su trayectoria.

Licenciada en Bellas Artes, viajera incansable y creadora de proyectos que desbordan los límites del lienzo, Rufina Santana ha construido desde Canarias una trayectoria con dimensión internacional. Ha expuesto en lugares como Miami, Berlín, Marrakech, Varsovia, Tokio o Manchester, y ha desarrollado proyectos como Hespérides: El jardín interior, Arqueología del Jardín y Cartografías del Agua.

Pero detrás de una trayectoria tan extensa permanece una pregunta esencial: ¿qué sigue buscando una artista después de tantos años creando?

Conversamos con Rufina Santana sobre su manera de mirar, de trabajar y de entender el arte; sobre Lanzarote como territorio creativo y sobre las inquietudes que todavía la empujan a comenzar un nuevo cuadro, un nuevo proyecto o un nuevo viaje.

Rufina, después de tantos años dedicada al arte, ¿qué sigues buscando hoy cuando te colocas frente a un lienzo?.  La pintura es la expresión del mundo invisible que intento plasmar con belleza y armonía. Eso supone buscar un estado de conexión con una idea, y, cuando siento esa conexión, me doy cuenta de que será una buena pintura.

Has dicho en alguna ocasión que tu pasión por el arte está presente prácticamente desde la infancia. ¿Qué permanece de aquella niña que quería ser pintora en la mujer y artista que eres hoy? La curiosidad; el deseo de conocer el mundo, y de evolucionar como persona. El arte me ha ofrecido la oportunidad de crecer, y a la vez seguir conservando esa mirada única y pura de la infancia. Es mi forma de resistencia para que esa niña no desaparezca. De la niñez no he perdido la capacidad de asombro ante la naturaleza. El paso de una nube o el llegar de la pequeña ola al charco, provocan en mí , hoy en día, la misma sensación de felicidad que cuando, iba con mi familia a la playa. ¿Cómo no pintar todo eso?

«Intento cartografiar el paisaje interior.»

Lanzarote ocupa un lugar esencial en tu obra. ¿Qué tiene esta isla que continúa provocándote preguntas después de tantos años? Tuve la visión, desde muy joven, de que Lanzarote y sus paisajes eran terreno fértil para mi proyecto de vida. La lucha de la isla por la supervivencia, y su belleza en lo árido me inspiraban y provocaban a la acción. Hoy en día, sigo pensando que todo está por hacer en esta isla de fuego, mar y viento. La pregunta constante es ¿en qué punto me encuentro y como puedo seguir contribuyendo a éste gran lienzo de lava y personas.

Naturaleza, jardín, agua, paisaje, memoria… son conceptos que aparecen una y otra vez en tu trayectoria. ¿Qué estás intentando descubrir realmente cuando pintas la naturaleza? Intento cartografiar el paisaje interior. El Jardín de las Hespérides o las Cartografías del Agua no son solo representaciones botánicas o marinas; son metáforas del alma humana. Pinto la naturaleza para entendernos a nosotros mismos como parte de un cosmos vivo, conectado y frágil.

Tu proceso creativo parece partir muchas veces de una obsesión, de una idea que comienza a crecer hasta convertirse en un proyecto. ¿Cómo nace una obra de Rufina Santana? ¿Cuándo sabes que una idea merece convertirse en pintura? Es muy sencillo; se produce cuando no puedo quitarme esa idea de la cabeza; ese latido que no cesa; que me mantiene despierta y atenta. Ahí es cuando comienza el proceso; un ir y venir de pensamientos volcados en manchas y capas de pintura

«El arte me ha ofrecido la oportunidad de crecer, y a la vez seguir conservando esa mirada única y pura de la infancia.»

¿Cuánto hay de planificación y cuánto de intuición en tu trabajo? ¿Dejas espacio para que el propio cuadro te indique hacia dónde debes ir? La obra artística necesita dosis masivas de estudio y tiempo. Esto hay que organizarlo. Las horas de practica del oficio son importantes para que la obra se lleve a tierra, y sea coherente con el proyecto actual y los anteriores. Es evolución y coherencia, con la vida y lo que te rodea, sin olvidar que la flexibilidad  e intuición están ahí, para romper esquemas, y muchas veces, para trazar nuevas rutas.

Has viajado y expuesto en distintos países y has trabajado con culturas y artistas muy diferentes. ¿Qué has aprendido de esos encuentros que haya terminado incorporándose a tu manera de crear? Aprender es una palabra de gran significado en mi vida. No siempre se trata de conocimiento intelectual ; puede de una revelación, consecuencia de  la vivencia con personas y lugares. El contraste entre lugares como Miami, Tokio o Marrakech me enseña el código de las diferentes culturas, ayudándome a entender la gran dimensión del ser humano. Por otro lado, qué decir de las formas y el color implícitos. El  viaje puede significar una gran experiencia. Los viajes largos siempre los he realizado con un propósito no turístico, con el motivo de enriquecer mi proyecto pictóricos.

También has desarrollado una importante labor de impulso y acompañamiento a otros artistas. ¿Qué crees que necesita hoy una persona que comienza una carrera artística para no abandonar su vocación? Resiliencia y una fe inquebrantable en su propia voz. Hoy hay mucho ruido y demasiada prisa por «llegar» rápido. Les diría que protejan celosamente su tiempo de creación, que no cedan ante las modas pasajeras y que entiendan que el arte es una carrera de fondo, y que ésta profesión es de una complejidad pocas veces entendida.

«Hoy hay mucho ruido y demasiada prisa por “llegar” rápido.»

En una época dominada por la inmediatez, las redes sociales y la necesidad de mostrar constantemente lo que hacemos, tu reivindicas también el trabajo silencioso. Pero, ¿qué significa para una artista trabajar en silencio? La imagen que siempre me impactó ( y que luego he convertido en costumbre) Es la del cuadro sobre el caballete y un lienzo que lo tapa para que no pueda verse hasta que esté acabado. Significa proteger el espacio de creación, desde que surge la idea hasta el momento de la firma. Esa es la imagen de mi silencio; un velo que cubre la pintura hasta que es desvelada a los ojos del espectador. Por supuesto que enseño procesos a través de las redes sociales ;  es un aporte educativo  para unos o entretenimiento para otras personas, y soy consciente, pero el acto de pintar un buen cuadro, esas horas de estudio, son íntimas y difíciles de compartir con una audiencia mayoritaria.

Has dedicado toda una vida al arte. ¿Qué inquietud permanece todavía sin resolver y qué te gustaría explorar que aún no hayas explorado? Me gustaría ahondar mas en cuestiones como la Luz; o ir mas a allá donde  donde la ciencia,  el mito y la naturaleza sean uno. Me gustaría explorar más esto, o desprenderme casi por completo de la materia y tratar  únicamente con la  energía;  y  luego me digo…. No es eso lo que realmente hago? La inquietud sigue ahí…. Siempre tratando de caminar  la milla extra.

Más Mujer en una palabra

¿Qué palabra define mejor tu relación con Lanzarote? Sublime

¿Qué necesita hoy el arte?. Entusiasmo, unión con lo divino.

¿Qué valor nunca debería perder un artista? Autenticidad.

¿Qué palabra define tu proceso creativo? Búsqueda.

¿Qué palabra te gustaría que permaneciera cuando alguien recuerde tu obra? Icónica, palabra que tenga la capacidad de generar narrativas que provoquen al espectador.